巴洛克风格音乐（巴洛克风格音乐代表）

巴洛克风格的音乐有哪些？

有如蒙特威尔第、维瓦尔第、吕利、普赛尔、亨德尔、巴赫等等人为代表的音乐都基本上称之为巴洛克风格.

音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。

1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。

因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。

在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。

“对比”可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢（快与慢的段落对比或快慢声部间的对比）；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式（此词本身意味着明显的对比因素），这种形式的基本特点是织体的变换，有时用一个声部（独奏）或几个声部，有时用较大的群体合奏。最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”（monody），它是一种独唱歌曲，大致是在上面有一个流畅的人声声部，配以琉特琴或羽管键琴的伴奏，伴奏的进行较为缓慢，这一体裁的代表人物（在某种程度上可以说是创造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini，约1545-1618）在他划时代的作品《新音乐》（Le nuove musiche）歌集中，人声的旋律依循歌词的意义，变化极大，在节奏和织体上可以从很简朴到非常富有装饰性；而且又与几乎固定不变音型的伴奏声部形成对照。

卡奇尼属于佛罗伦萨的“卡梅拉塔会社”（一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体）成员，他在十六世纪七十至八十年代接触到将古希腊音乐中表现感情的观点加以再创造的概念，这个团体遵循这个概念采用了“单声部歌曲”的形式。上述“伴奏”这个词，在文艺复兴时期音乐中几乎不用考虑，作为一个观念，它属于巴洛克时期，它意味着乐器声部之间的地位不同。

事实上巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。

这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲），此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。

与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调（更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中）。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐，特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性。

与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。

巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回旋曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域。

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有哪些音乐是巴洛克风格（Baroque）的？

巴洛克风格音乐：

（一） 概述：

巴洛克音乐指17世纪初叶（公元1600）至18世纪中叶（公元1750）的欧洲音乐文化。巴洛克（baroque）一词来源于葡萄牙文baroco,原意指珍珠的怪异及其不规整的形状。

在西方艺术史中，通常用巴洛克来表示17至18世纪中叶西方建筑，绘画，雕塑等艺术的新的风格特征-----雄伟，奇异，夸张等。在绘画艺术方面，文艺复兴时期用透视法以及平衡和谐的观点来描绘自然和人体，人们从有限的空间进入到人类内心情感的无限世界。

作为西方音乐史中一个时期的巴洛克音乐，其发展主要集中于欧洲的意大利，法国，德国和英国等。巴洛克音乐在欧洲各国的发展虽然存在许多共同的特征和风格，但由于各个国家政治，经济，文化等方面的差异，也呈现出不同的面貌。总体上看，巴洛克音乐的发展是以文艺复兴时期的音乐为基础的，并且发生了很大变化。歌剧的诞生和器乐的发展标志着巴洛克音乐风格的确立；大小调和声体系代替中世纪的教会调式，声乐和器乐作为音乐的两大分支开始独立发展且相互补充；复调音乐风格逐渐向主调音乐风格转变；出现数字低音。器乐曲主题的陈述和引申渐渐形成不间断发展的二部曲式，旋律具有连续而不停顿的扩张性，连绵不断的节奏贯穿乐曲的始终，乐曲的段落之间有鲜明的力度对比；大量新的音乐体裁不断涌现，并得到确立和发展。这一时期，器乐性能的提高对器乐音乐的创作和演奏风格产生重要影响。代表作曲家有斯卡拉蒂，亨得尔，巴赫等。

（二） 巴赫：（1685—1750） 作品欣赏《歌德堡变奏曲咏叹调》

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sabasitian Bach），德国作曲家。1685年3月21日出生于爱森纳赫市的一个音乐世家，其家族相继出现了数十位音乐家，以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的成就最为显著。巴赫自幼便显示出非凡的音乐才能，父亲是他的启蒙老师，教他乐器，双亲去世后（8岁），随其兄约翰·克里斯朵夫·巴赫学习管风琴，15岁开始独立谋生，18岁任阿恩斯塔教堂管风琴师，开始创作大合唱曲和古钢琴曲。1708---1717年任魏玛宫廷管风琴师和宫廷乐团合奏长，其间创作大量管风琴曲。1717---1723年任科顿宫廷乐长期间，创作了《平均律钢琴曲集》第一卷，这是世界上最早将十二平均律系统的应用于创作实践的作品，被后人称作“钢琴音乐的《旧约全书》”。1723---1750年在莱比西圣托马斯教堂及其附属唱歌学校任乐长兼全城音乐生活总监。这期间虽然工作繁重，但他仍创作了大量的作品。创作体裁包括宗教康塔塔，经文歌，弥撒曲，受难乐，清唱剧等。1750年7月28日，巴赫在莱比西逝世。巴赫一生有20多个子女，但大量夭折，其中有的成为“前古典世代”的著名音乐家。

巴赫的创作根植于德国民间音乐，并把路德教的众赞歌和教会乐器管风琴当作自己的创作素材和乐响构思的核心，同时也深受资产阶级启蒙思想的影响，这是他的音乐作品明显的突破了教会音乐的规范，具有丰富的世俗感情和大胆的革新精神。巴赫继承了16世纪以来德国声乐和器乐的优秀传统，吸收了意大利和法国的先进技术，把复调音乐提高到前所未有的高度。

巴赫的音乐对后世音乐的发展具有深远的影响。他的音乐在现实音乐生、音乐教育和创作中所起的作用与日俱增，其音乐思维的高度逻辑性和哲理性，其艺术技术手法的严密、精巧，更是后世学习的楷模。

巴赫是一位多产的音乐家，其作品博大精深，音乐体裁广泛多样。声乐作品多以宗教性为主，有：《圣母颂歌》、《约翰受难乐》、《马太受难乐》及康塔塔200余首；在器乐方面，巴赫是巴洛克时代的管风琴大师，代表作主要有：《d小调托卡塔与赋格》、《c小调幻想曲与赋格》、《c小调帕萨卡里亚与赋格》《平均律钢琴曲集》、《半音阶幻想曲与赋格》、《布兰登堡协奏曲》、《音乐的奉献》、《管弦乐组曲》《法国组曲》、《英国组曲》等。D大调第三乐队组曲

《D大调第三乐队组曲》约创作于1722年，是巴赫所作4首管弦乐组曲的第三首，全曲共有5各分曲构成。

第一曲《序曲》。曲式规模较大，采用法国式的慢、快、慢三部分的序曲形式。

第一部分的主题缓慢、庄严、节奏均匀、有力，旋律上扬，行进充满气势，以法国路易14时代的宫廷歌剧序曲的风格写成。

第二曲部分采用赋格形式。主题活泼明快、富于生气。乐曲中间有乐队和独奏乐器的竞奏，使乐曲带有协奏曲的特点。

最后再次重复第一部分，全曲结束。

德国文学家歌德十分欣赏这首序曲.他描述道:“听这首威严而华丽的乐曲，眼前仿佛出现了一群衣着华丽的人，庄严的列队走下宽阔的台阶。”

第二曲《咏叹调》。乐曲分为两大段落，富于表情和歌唱性。

第一个段落的旋律优美而柔婉，具有巴洛克后期夜曲的风格。

第二个段落篇幅较大，情绪起落较第一段更为显著。旋律舒畅、饱满。第三曲《加伏特》。加伏特原为法国一种古老的民间舞曲，１８世纪常用于组曲的第一个乐章。本曲采用三部曲式，2∕2拍，主题旋律采用大跳进行，活泼而有力。第四曲《布列》。布列原为法国的一种古老的民间舞曲，１８世纪用于古典组曲的一个乐章。本曲采用二部曲式结构，2∕2拍。乐曲简捷，流畅，明快而有个性。

第五曲《基格》。基格是一种快速的舞曲，起源于１６世纪的英国，后传入德国、法国和意大利。１８世纪时常用做古典组曲的末乐章。乐曲采用前后两部分各自反复的二部曲式，６∕８拍。主题由双簧管和小提琴主奏，节奏轻快，并在欢乐的气氛中结束。布兰登堡协奏曲

《布兰登堡协奏曲》共６首，这里介绍第二首。《布兰登堡协奏曲》原名《为几种乐器而写的协奏曲》，是１７２１年间巴赫应布兰登堡一位侯爵之约而创作的一套协奏曲。巴赫去世后，第一个为巴赫作传记的德国音乐家斯比塔给这６首协奏曲冠之“布兰登堡”的标题，并一直沿用至今。

《布兰登堡协奏曲》的第二首是为４件独奏乐器而写的巴洛克式的大协奏曲，这４件乐器分别为小号、长笛、双簧管和小提琴。协奏组有小提琴两把，中提、大提、和低音提琴各一把，拨弦古钢琴一架。小号是被成为尖声小号的高音乐器，大大超出现代普通小号的音域，兼有双簧和单簧的音色，但有比这两者更为明亮，音色独特，是现代小号所无法比拟的。

《布兰登堡协奏曲》第二首由三个乐章组成。

第一乐章为快板，由两个主题交替发展而成。第一主题在高声部进行，情绪热烈、活泼，音响丰满、华丽，由长笛、双簧管、小提琴与协奏组的小提琴演奏。第二主题由独奏组的小提琴演奏，音乐纤巧细腻。

其中第一主题以热烈的合奏出现，第二主题做模仿进行，两者在音量音色上形成对比。

第二乐章为行板，是独奏乐器中的长笛、双簧管、小提琴与协奏组中的大提琴、拨弦古钢琴结合而成的合奏。3件独奏乐器在合奏组缓缓流动的低音背景上分别呈示主要主题。曲调清澈、纯净，是一首悦耳的抒情诗。这个主题首先由小提琴奏出，接着双簧管、长笛依次进入，3件乐器的对答构成卡农式温柔的“三重奏”。音乐流畅舒展，连绵不断，从d小调开始，几经转调，最后在明亮的D大调上结束。

第三乐章是“很快的快板”，采用三段式结构。其中第一部分为赋格段。

这个赋格组的主题由独奏组的小号、长笛、双簧管、小提琴巧妙的加以发展。首先以尖声小号高亢嘹亮的声音浮在高音声部，带有舞曲风格；接着双簧管、小提琴、长笛分别按五度关系进行对答，后面小号再次进入。

中间部分采用主题自由展开的手法，后面小号再次进入，新、旧主题的片段及材料在各个声部轮流出现，形成生动的卡农段落。

　第三部分完全再现赋格段的主题，与乐章的开始相互呼应，最后完满结束。（三） 亨德尔：（1685----1759）

格瑞奇 费雷德赫 亨德尔（Georg Friedrich Handle）,英籍德国作曲家。1685年2月23日出生于德国的哈雷。幼年时的亨德尔就已显示出非凡的音乐天赋，10岁时就写出了一首三重奏鸣曲。1702年，入哈雷大学专修法律，同时被当地改革派教堂聘为见习管风琴师及艺术指导。1703年前往汉堡，在汉堡歌剧院任第二小提琴手。汉堡是当时德国的经济文化中心，也是当时唯一有民族歌剧的德国城市。亨德尔在这里开阔了眼界，提高了音乐创作能力。1706---1710年应意大利贵族迪多亲王之邀，前往佛罗沦萨专门从事创作。谱写了近百首世俗康塔塔、清唱剧和歌剧等。同时钻研当代大师的作品，从中获得许多教益。意大利之行对亨德尔的一生起到决定性作用，使他从一个不成熟的感情音乐天才，成长为一位理性的，具有完善技巧的作曲家。

1710年，亨德尔任德国汉诺威选帝侯宫廷乐长。1711年赴聘英国，在伦敦首次演出所作的意大利歌剧《里那尔多》。1717年后定居伦敦从事音乐创作，致力于意大利歌剧的创作和演出，并享受英国汉诺威王朝的年金。1726年，加入英国籍。

1751年，亨德尔不幸双目失明，但他并没有因此而屈服，仍然继续坚持演奏和创作，并亲自指挥自己的作品演出。

亨德尔在音乐创作上重要的成就都是英国取得的。他一生创作有：50部歌剧，23部清唱剧及相当数量的大协奏曲、室内乐曲、奏鸣曲、古钢琴曲、合唱曲等。代表作有歌剧《里那而多》、清唱剧《弥塞亚》、《马卡白》、《参孙》，管弦乐曲《水上音乐》、《焰火音乐》、、《大调大协奏曲》，《古钢琴组曲第五首》中的《快乐的铁匠》和歌剧选曲《广板》等。

亨德尔的器乐作品兼有将德国的复调与和声、意大利的主调风格、法国的节奏和装饰音以及英国的朴素气质融为一体的特点。而他创作的的歌剧以意大利歌剧为主，虽然音乐宏伟、深刻，高于同时代的其他做曲家，但由于题材内容大多为千篇一律的古代神话，且脱离英国民族欣赏习惯，故屡遭失败。无奈之下，他转向清唱剧的创作。虽然题材大多取材于《圣经》，但其创作却不同于一般的教堂音乐，而是气势宏伟、富于戏剧性而有不失抒情色彩的大型音乐作品。这些清唱剧普遍汲取和继承了德国复调音乐技巧、意大利的流畅旋律和英国圣咏音乐的优良传统，在西方音乐史上享有很高的声誉。 水上音乐

《水上音乐》又称《水乐》、《船乐》，创作于1715----1717年，是一首管弦乐组曲。传说是亨德尔为新即位的英皇乔治一世所作，因为是在伦敦的泰晤士河上演奏而得名。原曲共有20个小曲组成，1922年，英国作曲家哈蒂从中精选6首，改编为本曲。

第一曲《快板》。根据原第三曲改编而成，3∕4拍。乐曲一开始的回首反复和华丽的颤音，由圆号与弦乐组上下呼应奏出，气氛欢快而妩媚。

第二曲《咏叹调》。采用三部曲式。主部和再现部根据原曲第五首改编，中间部则为原曲的第六曲《小步舞曲》改编而成。该曲舒展、轻盈、温文而雅。再现部由于圆号的加入，使乐曲更加抒情。

第三曲《布列》。根据原第七曲《布列》改编。布列是一种舞曲，起源于法国。其特点是欢快、双拍、弱起。本曲为4∕4拍，急板。采用三段体结构，乐曲情绪欢快。

第四首《号角舞曲》。根据原第八曲《角笛舞曲》改编。号角舞是一种古老的英国舞蹈，18世纪时是水手跳的独舞，舞者双臂交叉并配上富有特点的步伐和姿势。

第五曲《富于表情的行板》。根据第三曲的快板—行板—快板中的行板部分改编。乐曲先由木管呈示，悠缓、深沉、宛如一首夜曲。

第六首《坚定的快板》。根据原第十一首《角笛舞曲风格》改编。三部曲式，快板，3∕2拍。第一部分的主题采用诱人的切分节奏，带有鲜明的号角性特点，辉煌而灿烂，表现了宏伟壮观的典礼性场面。庄严的圆号合奏和乐队合奏，更进一步加强乐曲富丽豪华的色彩。

中间部分的旋律朴素明快，与第一部分的主题形成色彩上相应成辉的对照。乐曲最后是第一部分的再现，在号角声营造的雄壮气氛中结束全曲。

巴洛克音乐有什么特点?

巴洛克音乐的一些特点(Baroque)，它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。

巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色，也比较适合我们的吉他翻弹。

巴洛克时期音乐的旋律特点:

乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。

巴洛克时期音乐的节奏:主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲(或托卡塔)与赋格。

扩展资料:

艺术风格

“巴洛克”作为一种独特的艺术风格，是由于它在艺术精神和手法上，与盛期文艺复兴有着明显的区别。

在绘画方面文艺复兴的艺术家尤其重视素描，而巴洛克时期的艺术家则非常重视色彩、光影和透视等。文艺复兴时期的艺术主要是静止的，以匀称为目的；而巴洛克时期的艺术主要表现动势，以动为目的——为了达到这一目的，他们采用斜线或对角线的构图。

文艺复兴时期的艺术主要是强调线条，热爱线条；而巴洛克时期的艺术则是以明暗来造型的，他们喜欢物体的逼真与强有力的效果。

参考资料:百度百科-巴洛克音乐

巴洛克时期音乐风格

巴洛克时期音乐风格：节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。

巴洛克原意指形状不规则的珍珠，是一种艺术形式，由于这种艺术风格的盛行后人称之为巴洛克时期。这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。

巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现在意大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。

扩展资料

巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。

代表人物：

1、约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）（1685年3月21日～1750年7月28日），巴洛克时期的德国作曲家，杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家，世人普遍认为其是音乐史上最重要的作曲家之一，并尊称他为“西方近代音乐之父”，他也是西方文化史上最重要的人物之一。

2、安东尼奥·卢奇奥·维瓦尔第（意大利语：Antonio Lucio Vivaldi，1678年3月4日－1741年7月28日），男，是一位意大利神父，也是巴洛克音乐作曲家，同时还是一名小提琴演奏家。

3、乔治·弗里德里希·亨德尔（George Friedrich Handel，1685年2月23日-1759年4月14日），男，英籍德国作曲家。

亨德尔生于德国哈勒（Halle, S），师从管风琴家查豪学习作曲，后在教堂内任管风琴师及艺术指导。因爱世俗音乐，于1703年迁居汉堡，开始从事歌剧的创作。1706年后，在汉堡威尔及伦敦两地进行创作，不久成为英国的音乐权威人士。

参考资料来源：百度百科-巴洛克音乐

巴洛特的音乐风格

巴洛克音乐是指17世纪至18世纪中叶起源于意大利并流传于欧洲以及拉丁美洲的一种音乐风格。巴洛克原意为“怪异的珍珠”或“荒谬的思想”，被18世纪末叶的文艺理家用来贬称17世纪以来的意大利建筑、雕刻、绘画等艺术，此后就成为这一时期艺术风格的总称。其特征是高贵庄严，气势雄伟，富有动力，常给人以紧迫感。同时期的音乐大体上也具有这些特征，故称巴洛克音乐。巴洛克音乐时期由于普遍使用数字低音记谱法，因此又称“数字低音时代”。在一个半世纪中，出现大批作曲家，主要代表有：蒙泰韦尔迪、维瓦尔迪、吕利、珀塞尔、亨德尔和J.S.巴赫。他们的创作领域和艺术个性虽然各不相同，但都包含了巴洛克音乐的某些特征。

巴洛克音乐的风格

巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒

巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。

这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲），此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。

与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调（更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中）。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐，特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性。

与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。

巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回族曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类 似人声的音域。